“Sinfonía Nº 2” de Jean Sibelius

Jean Sibelius es un compositor finlandés de corte nacionalista. Vivió hasta 1957 aunque no publicó obras de importancia después de 1929. Compuso siete sinfonías entre 1899 y la última en 1924. Fue autor de varios poemas sinfónicos de carácter descriptivo del norte de Europa. En sus comienzos, fue influido por el estilo nórdico de Chaikovski, Borodin y, sobre todo, Grieg. No fue un innovador de las formas, aunque hizo un uso propio de la orquestación y de los acordes tradicionales. Generalmente Sibelius es considerado como conservador entre los compositores de principios del siglo XX. Es fácil comprender por qué se hizo acreedor de este rótulo, si comparamos su Segunda Sinfonía con algunas de las obras musicales de sus contemporáneos más abiertamente revolucionarios. No encontramos experimentos en materia de disonancia, como los de Schoenberg, una comprensión extrema como la creada por Webern, los collages de asociaciones libres que se hallan en muchas obras de Ivés, o experimentos en ritmos desiguales como los de Stravinsky en La Consagración de la Primavera. Pero si comparamos la Segunda Sinfonía de Sibelius, de 1901, con la música escrita aproximadamente en esa misma época por esos mismos compositores, surge un cuadro totalmente distinto. Fueron los caminos que tomaron más tarde estos compositores los que hacen que Sibelius parezca conservador, por comparación. La diferencia entre estos autodenominados radicales y Sibelius es la diferencia que existe entre la novedad y la originalidad. Las obras del compositor finlandés no son menos originales que las de los compositores que labraron el novedoso lenguaje musical del siglo XX. La música de Sibelius no abandona en ningún momento la tonalidad, pero constituye una sólida prueba de que seguía siendo posible decir cosas asombrosamente originales en el viejo idioma. La Segunda Sinfonía fue compuesta en Rapallo, Italia, en 1901. Fue estrenada en Helsinki, el 8 de marzo de 1902, en un concierto exclusivamente dedicado a la música de Sibelius, dirigido por el compositor. Ésta obra marca el final del primer período romántico de Sibelius, durante el cual el compositor sintió la fuerte influencia de Chaikovski. Sus procedimientos formales, basados en la fragmentación y la recombinación, encuentran su primera manifestación madura en esta sinfonía.
Música: “Sinfonía Nº 2” de Jean Sibelius - Orquesta Filarmonía dirigida por el maestro Vladimir Ashkenazy

“Preludio a la siesta de un fauno” de Claude Debussy

Claude Debussy puso en marcha un nuevo concepto de la música, liberada de las ataduras relacionadas con la tonalidad. Su obra devela tintes modernistas, simbolistas y de otras influencias como las étnicas, que encontraban su auge a finales del siglo XIX, aunque su obra suele vincularse al impresionismo. Para él no se trata de trasladar la naturaleza a la música, sino de evocarla. Ejerció una decisiva influencia en su época y en etapas posteriores, desde Ravel a los músicos más destacados del siglo XX. En su poema musical La Mer de 1903, oímos el Diálogo del viento y el mar y sentimos El Juego de las olas, que ondulan hacia la costa. En el idilio de 1894, titulado “Preludio a la siesta de un fauno”, nos sentimos transportados a una ensoñadora tarde estival. En 1912 el famoso bailarín de ballet Vaslav Nijinski representó el ballet sensual cuya coreografía creó para esta obra, y "escandalizó" al público. El “Preludio a la siesta de un fauno” es un poema sinfónico para orquesta, estrenado en la Sociedad Nacional de París el 22 de diciembre de 1894, bajo la batuta de Gustave Doret. Se basa en una égloga de Stéphane Mallarmé, a la que Debussy ilustra musicalmente con una orquesta en la que predominan las maderas. Erotismo, mundos oníricos y fantásticos, evocaciones orientales y arquetípicas que muestran su magia desde la primera y cautivadora frase de la flauta. Un fauno sueña juegos amorosos y llenos de simbolismos a la sombra de un árbol en la ladera del Etna.
Música: “Preludio a la siesta de un fauno” de Claude Debussy - Orquesta Nacional de la Radiodifusión Francesa dirigida por el maestro Jean Martinon

Descubriendo “Lohengrin”

Wagner se interesó por el tema de “Lohengrin” por primera vez durante su estadía en París, donde había leído un artículo sobre el poema épico escrito por el profesor Lucas, uno de los académicos de la Universidad de Konigsburgo. Más tarde recordaría: “un mundo nuevo se abrió delante de mí, y creí que en aquel instante no podría encontrar la forma para concebir a este “Lohengrin”, mas su imagen persistió inextinguible dentro de mí”. No fue hasta el verano de 1845 que Wagner se concentró en el tema. Estaba completamente extenuado por su trabajo como director en Dresden y su doctor le había ordenado reposo. Wagner decidió descansar en la ciudad balnearia de Marienbad. Llevó con sigo su lectura de verano, los poemas “Parzival” y “Titurel” de Wolfram von Eschenbach, y el anónimo poema épico alemán “Lohengrin”. Más tarde, Wagner rememoraría que cuando comenzó a leer “Lohengrin”, “allí, de repente, apareció ante mis ojos un “Lohengrin” completo en cada detalle del contexto dramático; particularmente la saga del cisne, que envuelve rasgos tan significativos del conjunto de mitos que estudié y conozco, ha ejercido una enorme fascinación en mi imaginación”. Intentando relajarse y decidido a evitar componer, Wagner luchó duramente contra su fascinación. Intentó sacar a “Lohengrin” de su mente jugando con la idea de una nueva comedia sobre el tema de “Los maestros cantores de Nuremberg”. Ya que era un tema cómico, Wagner pensaba que podría realizar los esbozos sin necesitar mucha energía. Acabó escribiendo un boceto completo de lo que se tornaría “Los maestros cantores de Nuremberg”. Más ni siquiera los mismos Meistersingers pudieron evitar que Wagner pensase en “Lohengrin”. Wagner escribió que un día, mientras se bañaba en Marienbad, “fui súbitamente aprehendido por un deseo tan poderoso de transcribir “Lohengrin” al papel que, en vez de quedarme en mi bañera durante el tiempo requerido, salí impacientemente después de algunos minutos y, sin darme tiempo para vestirme, corrí como loco hacia mi aposento para escribir aquello que estaba apremiando mis pensamientos”. Varios días después, Wagner completó un detallado esbozo de “Lohengrin”. Su doctor lo consideraba un caso perdido; Wagner algunas veces se excitaba tanto que pasaba la noche deambulando en vez de dormir. Con “Lohengrin”, Wagner comenzó a trabajar con un símbolo que lo fascinaría por el resto de su vida: el Santo Grial. Tanto es así que su última ópera, Parsifal, se centra en el padre de “Lohengrin”, el misterioso Rey del Grial.
Música: Selección de la ópera “Lohengrin” de Richard Wagner - Coro y Orquesta Filarmónica de Viena dirigida por el maestro Georg Solti actuando como solistas Plácido Domingo, Jessye Norman y Dietrich Fischer-Dieskau

Ciclo 2011 - Programa N° 9 - 02/10/11
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