Martes, 19 de Marzo de 2024

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Expresionismo

Nació en Alemania y se caracterizó por los contrastes y el apasionamiento, jugando con el inconsciente. Este período se destacó por las teorías psicologistas y su aplicación a las artes. Dichos postulados surgieron en Viena, asombrada por los descubrimientos de Sigmund Freud y escandalizada con los sonidos de la escuela de Schoenberg. La nueva música no buscaba el equilibrio, sino lo contrario. De las raíces del wagnerismo y el postromanticismo, surgió una orientación que acabó desarmando los elementos tradicionales, por el ímpetu anárquico del atonalismo y con un lenguaje que inventó su propia estructura: el dodecafonismo. El término expresionismo, como antes el impresionismo, se utilizó al principio para describir una corriente pictórica. El expresionismo fue subjetivo por definición y por eso está relacionado con el romanticismo pero difiere en los medios. Su tema principal fueron los conflictos, ansiedades, temores e impulsos irracionales del ser humano en general.

Vanguardias

Microtonalismo

A excepción de culturas no europeas, como los árabes o los hindúes, y más allá de la técnica del dodecafonismo, la tonalidad fue atacada desde su afinación en semitonos, que permanecía inalterable desde tiempos de Pitágoras. El checo Alois Haba y después el mejicano Julián Carrillo investigaron la microtonalidad, proponiendo nuevas subdivisiones del tono: tercios de tono, cuartos de tono, etc. Otros precursores independientes de esta "micro-revolución" fueron Ivan Vishnegradski y el deslumbrante norteamericano Ivés. Uno de los problemas de estas obras fue encontrar instrumentos adecuados para su ejecución. Algunos utilizaron dos pianos afinados con un cuarto de tono de diferencia y otros propusieron la construcción de nuevos instrumentos. Hoy en día, los instrumentos electrónicos permiten utilizar cualquier división del continuum sonoro.

Vanguardias

Dodecafonismo

Después de una pausa de seis años, Schoenberg formuló un método de composición con doce sonidos sólo relacionados entre sí. Fue en 1923. La base de la composición era la serie, una fila en la que alternaban los doce sonidos cromáticos de la afinación occidental sin reiterarse. Esta serie sirvió como base de variaciones que alteraban su lectura, aunque mantenían intacta la estructura interna. A tal fin, Schoenberg utilizó todos los recursos polifónicos con los que contaba, desde la retrogradación (del final al principio de la serie) y la inversión (los intervalos hacia arriba van ahora hacia abajo, y viceversa), a la inversión retrógrada (combinación de las anteriores) y todas las transposiciones posibles. Los sonidos de la serie podían usarse sucesivamente (a modo de melodías) o simultánea (como armonía o contrapunto).

Atonalismo

Las Tres piezas para piano op. 11 de Schoenberg fue una de las primeras obras que rompió por completo con toda referencia jerárquica a la tonalidad. Aunque había signos del nuevo lenguaje en su Segundo cuarteto y luego en El libro de los jardines colgantes. Pese a la innovación, Schoenberg no se consideraba un vanguardista, sino que había arribado al atonalismo como una consecuencia inevitable del desarrollo histórico. Esta ruptura no se limitó a sus alumnos, sino que sedujo a compositores destacados como Richard Strauss en Salomé y Elektra, Mahler en el Adagio de la Décima sinfonía, Sibelius en su Cuarta sinfonía o Scriabin, que murió a punto de abandonar la tonalidad. Además de algunas obras tempranas de Berg (Tres Piezas para orquesta) y de Webern (Seis Piezas orquestales), el atonalismo influyó también en Edgar Várese y en los norteamericanos Charles Ivés, Carl Ruggles y Henry Cowell, mientras que en Rusia lo reconocemos en Roslavets.
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Breves

  • HECTOR BERLIOZ

    Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente.

  • El aprendiz de brujo de Paul Dukas se basa en una balada de Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

  • La primera ópera de la que se conserva la partitura es Orfeo de Claudio Monteverdi. Se estrenó en Mantua en 1607, con motivo de la celebración de un cumpleaños, el de Francesco Gonzaga.

  • La obra que Stravinski compuso desde la época del Octeto de 1923 y hasta la ópera The Rakes Progress de 1951, suele considerarse neoclasicista.

  • En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona.


Citas

  • DANIEL BARENBOIM

    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • GEORGE GERSHWIN

    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • GUSTAV MAHLER

    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • FRANZ SCHUBERT

    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • BEDRICH SMETANA

    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Rapsodia española

    Maurice Ravel

  • Música para cuerdas, perc. y celesta

    Béla Bartók

  • Una furtiva lagrima

    Roberto Alagna (Nemorino)

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2011 - Programa N° 19

  • Sinfonía Nº 38 "Praga"

    Wolfgang A. Mozart

  • Otello

    Giuseppe Verdi

  • Tristán e Isolda

    Richard Wagner

  • Sueño de una noche de verano

    Overture

Intérpretes

Voces

José Ángel Trelles

José Ángel Trelles

Su voz se identifica con la música de Ástor Piazzolla y las letras de Horacio Ferrer. Con un estilo carente de yeite, está más cerca de la balada que del tango. No obstante, su repertorio integrado con composiciones vanguardistas, es acorde a estas características y resulta atrayente. Dueño de un registro de barítono, es afinado, tiene potencia y es fiel exponente de una generación de vocalistas que interpretan por un lado y cantan por el otro. Entre sus producciones discográficas se destacan: "Balada para un loco", "Y ahora yo", "Aguante barrio", "El ángel vive", grabado junto a la Camerata Porteña y junto al pianista Juan Carlos Cirigliano: "Sólo para dos".

Músicos

José Canet

José Canet

Canet es el prototipo del clásico guitarrista tanguero, dispuesto siempre a unir su guitarra a una voz de tango. Sus influencias se remontan al estilo de los acompañantes de Gardel, Magaldi y Corsini. Fue uno de los pocos guitarristas que logró evadir las influencias de Roberto Grela, creador de toda una escuela en el tango. Su estilo estaba enraizado en forma directa a los conjuntos de guitarras clásicos. En muchas de sus actuaciones agregó al trío o cuarteto de guitarras otros instrumentos de cuerda: contrabajo, violines y violonchelo.

Músicos

Juan de Dios Filiberto

Juan de Dios Filiberto

Compositor y Director de Orquesta, fue un hábil intérprete de piano, guitarra, violín y armonio, instrumento este último en el cual creara gran parte de su repertorio. Filiberto fue y será una de las figuras más preponderantes del tango, autor de obras como "Quejas de bandoneón", "Caminito", "Cuando llora la milonga", "El pañuelito", "Malevaje", "Clavel del aire", y tantas otras que engrandecieron la "Canción Porteña".

Junín, 13/06/2016

Presentaron “Tango en Junín”

Los amantes del tango podrán disfrutar de diversas actividades durante cinco días en Junín. El intendente la Ciudad, Pablo Petrecca, presentó oficialmente “Tango en Junín”, un importante ciclo cultural que se desarrollará entre el 13 y el 17 de julio próximos e incluirá la realización de la preliminar del Festival y Mundial de Tango BA 2016.

Mar del Plata, 30/05/2016

Amelita Baltar en el Teatro Colón

El sábado 11 de Junio a las 21 hs se presentará en el Teatro Municipal Colón la gran cantante Amelita Baltar, acompañada por la Orquesta Municipal de Tango que dirige el Maestro Julio Davila y el pianista Aldo Saralegui como invitado especial. Luego de su presentación en Mar del Plata, la cantante estrenará un nuevo espectáculo: "Noches de Kabaret" en el Teatro Maipo de Buenos Aires.

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