Viernes, 22 de Octubre de 2021

Clásica y Ópera | Obras Maestras

Rosamunde de Schubert

Rosamunde de Schubert

La Obertura de Rosamunde fue compuesta y estrenada en 1820 para presentar la obra El Arpa Mágica. El resto de la música de Rosamunde fue compuesta en 1823 y estrenada el 20 de diciembre de 1823, en Viena. La primera vez que la obertura apareció impresa bajo su nuevo título fue en 1834, seis años después del fallecimiento del compositor, en un arreglo para cuarteto de cuerdas realizado por un tal J. von Blumenthal.








Schubert, que rara vez recibía encargos, se sintió complacido cuando se le pidió que proporcionara la música para acompañar la obra de Helmina von Chézy, Rosamunde, que iba a ser puesta en escena en el Theater an der Wien, en 1823. Tal vez debería haber tenido algunas dudas, ya que el mismo autor había realizado el desastroso libreto de la ópera de Weber, Euryanthe, unos años antes. Pero Schubert, sin duda atraído por el prestigio de la representación, reunió alrededor de once números musicales. Aunque solamente tenía tres semanas para terminar el proyecto (¡la autora se las había arreglado para escribir su texto en apenas cinco días!), la música es verdaderamente encantadora y algunas de sus partes se encuentran entre sus composiciones más hermosas. Es especialmente memorable el primer entre acto y el ballet final.

Desafortunadamente, la obra corrió la misma suerte que su antecesora Euryanthe y fue un fracaso rotundo. Se la representó solamente dos veces. Schubert jamás volvió a componer una obra para la escena. El texto de Rosamunde actualmente está perdido. Sin embargo, se ha reconstruido una sinopsis que indica lo ridículo que debió haber sido todo el asunto. Se trataba de una princesa criada por un pastor, un naufragio arreglado convenientemente, identidades ocultas, una carta perfumada con veneno, un rescate osado, una reunión a último minuto y un complot nefasto.

Como Schubert no tuvo tiempo suficiente para componer un número orquestal de apertura, utilizó la obertura en Re mayor que había compuesto en 1820 para su ópera Alfonso y Estrella. Como tenia la esperanza de que hubiera representaciones futuras tanto de la ópera como de la obra, el compositor sintió que no deberían compartir la misma obertura. En lugar de componer una nueva obertura para Alfonso, devolvió la obertura en Re mayor a su obra original. Decidió remplazarla con una obertura en Do mayor que había compuesto unos años atrás para un melodrama denominado El Arpa Mágica.

El Arpa Mágica, cuyo argumento era tan ridículo como el de Rosamunde, no tenía posibilidades de ser resucitada. Schubert sentía que su obertura en Do mayor quedaría perdida en la oscuridad si no le encontraba un hogar más conveniente.

De todas maneras, toda la pieza teatral estaba destinada a la oscuridad. Pero la música incidental ha sobrevivido sin la obra. La obertura en Do mayor, que en realidad jamás fue tocada con la obra, pasó a ser conocida como la obertura de Rosamunde. No existe ninguna relación musical entre la obertura y la restante música de Rosamunde.

La primera vez que la obertura apareció impresa bajo su nuevo título fue en 1834, seis años después del fallecimiento del compositor, en un arreglo para cuarteto de cuerdas realizado por un tal J. von Blumenthal. En 1827 había aparecido un anuncio del editor diciendo que la obertura en Do mayor sería publicada en un arreglo para piano, presumiblemente realizado por el compositor, como obertura para Rosamunde. Pero la música jamás fue impresa y nunca se comprobó que Schubert hubiera hecho esta transcripción.

Los diversos usos de la obertura son típicos de Schubert. Tiempo después, por ejemplo, utilizó la música del último entreacto en las dos composiciones: el movimiento lento de su cuarteto para cuerdas en La menor y el tercero de sus Impromtus, D. 935. Asimismo, la introducción y la coda de la obertura en Do mayor habían sido utilizados previamente (en Re mayor) en la obertura Italiana. Se ha argumentado, aunque de manera menos que convincente, que Schubert planeaba utilizar el primer entreacto, en Si bemol, como final de su Sinfonía Inconclusa, que está en la misma tonalidad.

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Breves

  • HECTOR BERLIOZ

    Fue un creador cuyo obstáculo fue la intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su apoyo al uso del saxofón o a la nueva visión dramática de Wagner. Su vida fue excéntrica y apasionada. Ganó el Premio de Roma, el más importante de Francia en aquel momento, por una cantata hoy casi olvidada. Su obra musical es antecesora de estilos confirmados posteriormente.

  • El aprendiz de brujo de Paul Dukas se basa en una balada de Goethe. Es un scherzo sinfónico que describe fielmente cada frase del texto original.

  • La primera ópera de la que se conserva la partitura es Orfeo de Claudio Monteverdi. Se estrenó en Mantua en 1607, con motivo de la celebración de un cumpleaños, el de Francesco Gonzaga.

  • La obra que Stravinski compuso desde la época del Octeto de 1923 y hasta la ópera The Rakes Progress de 1951, suele considerarse neoclasicista.

  • En la Edad Media encontramos la viela de arco, de fondo plano y con dos a seis cuerdas, que se perfeccionó en la renacentista, hasta llegar a su transformación en el violín moderno a partir del siglo XVI, cuando se estableció una tradición de excelentes fabricantes (violeros) en la ciudad de Cremona.


Citas

  • DANIEL BARENBOIM

    "Un director no tiene contacto físico con la música que producen sus instrumentistas y a lo sumo puede corregir el fraseo o el ritmo de la partitura pero su gesto no existe si no encuentra una orquesta que sea receptora"

  • GEORGE GERSHWIN

    "Daría todo lo que tengo por un poco del genio que Schubert necesitó para componer su Ave María"

  • GUSTAV MAHLER

    "Cuando la obra resulta un éxito, cuando se ha solucionado un problema, olvidamos las dificultades y las perturbaciones y nos sentimos ricamente recompensados"

  • FRANZ SCHUBERT

    "Cuando uno se inspira en algo bueno, la música nace con fluidez, las melodías brotan; realmente esto es una gran satisfacción"

  • BEDRICH SMETANA

    "Con la ayuda y la gracia de Dios, seré un Mozart en la composición y un Liszt en la técnica"

MULTIMEDIA

  • Suites Nº 1 "La Arlesiana"

    Prelude

  • Richard Wagner

    Biografía

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2011 - Programa N° 9

  • Ah Si Ben Mio

    Franco Corelli (Manrico)

  • Danza macabra

    Camille Saint Saens

  • Capricho español

    Nicolai Rimsky-Korsakov

  • Der Vogelfaenger Bin Ich Ja

    Bryn Terfel (Papageno)

  • Hágase la Música en Radio Brisas

    Ciclo 2011 - Programa N° 1

Intérpretes

Músicos

Cacho Tirao

Cacho Tirao

Considerado el mayor embajador de la guitarra argentina en el mundo, Oscar Emilio Tirao había nacido el 5 de abril de 1941 en la localidad bonaerense de Berazategui, comenzó a tocar la guitarra a los 5 años, y a los 6 se presentó por primera vez en un programa radial. Artista reconocido a escala mundial, de una digitación asombrosa y una ductilidad sorprendente, Tirao grabó su primer disco solista en 1970 y a lo largo de su carrera dejó casi 40 registros. Falleció el 30 de mayo de 2007 victima de una enfermedad que lo mantuvo inmovilizado durante mucho tiempo.

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Julio De Caro

Julio De Caro

Su carrera se desarrolló a través de cuatro actividades principales: fue director, compositor, arreglista y violinista. Se convirtió en uno de los grandes intérpretes de la generación de 1910, pero a partir de 1923 creó un estilo original que lo convirtió en líder de su generación y modelo de las siguientes. En 1927 grabó su primer disco. Entre sus grandes éxitos cabe mencionar: "El malevo", "Boedo", "Berretín", "Nobleza de arrabal" y "Flores negras". De Caro fue de los primeros en comprender que el destino del tango era la música y avanzó en esa dirección, hasta donde le dio el aliento.

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Francisco Canaro

Francisco Canaro

Nació en la ciudad de San José, Uruguay, el 26 de noviembre de 1888, aunque desde fines del siglo vivió con su familia en la Argentina. Autodidacta del violín, se inició en 1906 en un baile del pueblito de Ranchos en la provincia de Buenos Aires. Canaro es uno de los iconos del Tango, supo aprovechar el fervor tanguero de la época para convertirlo en una empresa que articuló paulatinamente toda la fisonomía empresarial del tango.

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